FOTOGRAFIAS AL CARBÓN TRANSPORTADO

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Hoy he recibido dos fotografías mias pero no copiadas por mi en mi laboratorio. Esto no es frecuente en mi protocolo de trabajo. Yo desde muy al principio de los años ´80 que empecé a trabajar, lo hice a la vez que positivaba mis fotografías, por el tradicional procedimiento quimico en papeles baritados. Actualmente sigo haciendolo aunque he añadido el sistema de impresión de chorro de tinta mineral sobre papeles de algodón, método que utilizo para imprimir imágenes procedentes de capturas digitales.

Recientemente se puso en contacto conmigo Calvin Grier [www.thewetprint.com] para ofrecerme imprimir mis imágenes al carbón, antiguo procedimiento pigmentario de impresión cuya técnica desconozco. La impresión al carbón transportado es un procedimiento histórico practicado hoy en dia por muy poca gente.

He de reconocer que aunque no estoy habituado a ver mi trabajo acabado por otros fotografos, el resultado me ha sorprendido, es absolutamente magnífico.

 

Seguidamente mostraré de forma breve un resumen del procedimiento practicado por Calvin Grier.

 

1 justificando negativos

 Justificando Negativos– Se imprimen tres negativos para conseguir un rango más completo de tonalidades sin grano o artificios digitales. Están acoplados para que cada capa de la foto caiga perfectamente encima de la otra.

 

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Preparando emulsión– La emulsión está compuesta de gelatina, pigmento, azúcar, agua, y una sal química para hacerla sensible a la luz.

2 preparando para exponer

Preparando para exponer– La lámina emulsionada y el negativo se encuentran sobre una tabla.

3 exponiendo

Exponiendo– Se expone la gelatina con luz ultravioleta.

4 Revelando

Revelando– Se transporta la imagen a una lámina de plástico y se va revelando en un baño de agua caliente. La gelatina que no se endureció por la luz ultravioleta se derrite, mientras que la imagen se queda. 

5 Capa de sombras

Capa de sombras– La primera capa muestra todas las sombras de la imagen.

6 Textura mojado

Textura– Las tonalidades están compuestas por áreas de gelatina espesas y finas. Cuanto más espesas, más oscuro. Esto crea una interesante topografía a la imagen.

7 segunda capa

Segunda Capa– La segunda capa aporta las tonalidades medias y ligeras a la imagen.

8 Bano de aclarar

Baño de aclarado– Hay que quitar la química que hace la gelatina sensible a la luz. Un baño lo oxida y el otro disuelve el óxido, dejando solo pigmento y gelatina.

9 Transfiriendo al papel

Transfiriendo al papel– Se junta el plástico y el papel sumergidos en agua. Cuando se seca, se puede quitar el plástico dejando una imagen limpia en el papel. 

CHICAGO 2005 John Hancock Tower. Bruce J. Graham. Chicago, U.S.A. 2005

ESTAMBUL 1997                                                                                                                                                                                                                                                 Istambul, 1997

BIENAL DE VENECIA / CREUS+CARRASCO

CREUS + CARRASCO

TRANSITIONS IN CONTEXT. Between Territory and Architecture.

PALAZZO MORA – European Cultural Centre. Strada Nuova 3659, Venecia

 

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1   Architecture builds a space that is going to be used. This apparently simple question, related with the rational and the necessary, is proved just when it is lived and trough experience. Inhabitance relates the existence with the conditions of the space.

2   That is why, even if the determinants of the architecture respond to a known behaviour, almost globalized, its form is conceived with the actions occurring and not just with the theory or the already known. The process of discovering architecture is a step by step experience.
3    From the house, which summarize the passion for life and an intimate place; to the territory, as an expression of the collective experience of the landscape.
4   Between them: equipments and plazas. Entities involving the convergence of a group.
Also, the paths, acting as a sequence that discovers transitions and links among territory and architecture.

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5   Our approach for the exhibition “Time Space Existence” delves into the influence that a territory has over the built pieces, improving the existence, as architecture contributes with something else.
6   We claim the importance of taking into account the values of the landscape. The architectural work is taken as part of it whose experience will not leave you indifferent since it is a new interpretation of the context.
7   Our architectural work is located in Costa da Morte, a mythical landscape of “rías” and shipwrecks, located between the rain and the fog, sometimes even invented to subsist. A landscape where some shapes and materials have been ennobled as key points of a culture.
8   That’s why it is important to understand the sense of treating an element of the natural world as an object and likewise understand an architectural work as the synthesis of an entire landscape.
9   The model we propose for this exhibition represents the territory- a combination of abstract and reality-, in which our works and projects are placed. Those are represented by pieces rising from the interpretation of all the elements which characterize them.

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10   On one side, in a first level, the landscape’s references meaning the intangible material, lines defining ambient qualities and linking the architectural work.
11    On the other side, our works, as materializations of the intangible through the construction, summarize different ways of inhabiting a place. The overlap between the references of the project and a superposition of layers with information of our work, allows for going through it and discovering the transitions between territory and architecture. Transitions in context.


12   The architecture, as a way of art that produces the translation between the landscape and the object, is a reinterpretation of the existence that also means a change, an interference in time.

ATLAS ENTROPIA

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Atlas Entropía #Madrid

 

El presente catálogo acompaña al sexto montaje en La Casita Azul de CentroCentro Cibeles y supone la tercera publicación en la vida de este pabellón que, a pesar de sus reducidas dimensiones, se trata en la actualidad del único espacio dedicado íntegramente a la exposición de arquitectura en Madrid. Hasta la fecha, el programa de La Casita Azul ha alternado la exhibición del trabajo de diferentes estudios de arquitectura con la revisión de temas relacionados con Madrid, su historia y su imagen urbana.

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A esta última categoría pertenece Atlas Entropía #Madrid,  la exposición correspondiente a esta sexta edición. Una exposición que propone recoger, en un conjunto limitado de edificios emblemáticos madrileños, el rastro del desgaste y el paso del tiempo sobre ellos y la forma en la que, a lo largo de los años, la apropiación que supone el uso o los usos continuados y tantas veces imprevistos ejercidos sobre la arquitectura, da lugar a situaciones complejas. Situaciones cuyas contingencias, imperfecciones, alejamientos del estado ideal, inicial, que desde la arquitectura se pensó para ellos, se querría aquí defender como un valor positivo. 

 

Frente a la obstinada costumbre, tan firmemente enraizada en la comunicación y publicación de arquitectura, de presentar la arquitectura vacía de personas y en un estado de abstracción ajeno a la huella humana, Atlas Entropía #Madrid se alinea con las voces que crecientemente reclaman la superación de este alejamiento entre la arquitectura como objeto abstracto (de valores exclusivamente plásticos), y la arquitectura en su roce comprometido con la realidad. Ya que es a partir de este roce desde el que se debe evaluar el rendimiento efectivo de la arquitectura, su posible “éxito”, no solo por cumplir con las intenciones apriorísticas del arquitecto sino sobre todo por poseer, como dijo Cedric Price, “built-in-tolerance” o, en términos más claros, “manga ancha” para poder contaminarse, responder, asumir, adaptarse, modificarse, maquillarse o, en el caso extremo de esta exposición, reconstruirse pasadas varias décadas, enriqueciendo sus cualidades y multiplicando los niveles de interpretación ejercidos desde la ciudad y sus habitantes.

 

Evidentemente este interés por reflejar el desgaste, el uso real y el paso del tiempo, no es nuevo. Bastaría apuntar aquí la tradición surrealista tan bien ejemplificada por la famosa fotografía de una locomotora devorada por la maleza y publicada por Benjamin Péret en Le Minotaure en 1937; la sensibilidad posmoderna, de amplio registro y que abarcaría desde el Aldo Rossi de la Autobiografía Científica al trabajo de Alison y Peter Smithson en su Climate Register, o más cercanamente el realismo sucio de Lacaton & Vassal y las fotografías de Phillipe Ruault, que muestran las ocupaciones no convencionales de sus edificios construidos. En España, y desde el mundo del arte, han ejercido esa mirada entre otros muchos los fotógrafos Bleda y Rosa o el artista David Bestué en su sobrecogedor registro de las obras de Enric Miralles tras veinte años de uso, muchas de ellas en dramática transformación e incluso en descomposición.

 

Es en esta línea en la que se instala la sutil conversación entre las fotografías de Juan Rodríguez y el ensayo de Eduardo Prieto que compone Atlas Entropía #Madrid. Dos trabajos de precisión, casi matemáticos, que en un diálogo de solistas enfrentados deja más cuestiones abiertas que cerradas e invita a prolongar este “registro del desorden” en casos sucesivos como un mecanismo revelador y contemporáneo a partir del cual reflexionar sobre el legado de la Modernidad, los modos de empleo de la arquitectura, y el paso del tiempo.    

 

Jacobo García-Germán   

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IMG_1793© Ana Amado